看不懂抽象艺术?这里有一篇初级鉴赏法则

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引言
被誉为帝都美术馆颜值担当的「松美术馆」,目前正在举办名为“Abstraction(s)隐形于色”的抽象艺术群展。小编被那张清淡的海报和美术馆仙风道骨的园林吸引,在利奇马刚刚离开北京的第一天,品味了这次关于色彩的视觉盛宴。
△松美术馆实景
《Abstraction(s)隐形于色抽象艺术群展》一共展示了13位艺术家的作品,与主题里“色”切题,展出的作品将色彩作为表现对象。参展艺术家的年龄跨度近七十岁,每件作品背后都有艺术家个人成长经历的影子。
如果你喜欢玩“色”,对色彩有天生的敏感,即使不懂抽象艺术,也会非常享受这次的艺术展。△本次参展艺术家名录
鉴赏法则一:多了解创作背景
进入美术馆正厅,迎面的作品是《无题》。这件作品是本次群展中最年轻的艺术家
Alex Israel的作品。△《无题》,Alex Israel
Alex本次还有另外一件作品展出,也叫《无题》。这两件作品的灵感来自洛杉矶建筑和城市景观,让人联想到抽象的落日。
△《无题》,Alex Israel
单纯从视觉的角度看,这两件作品只是单纯的渐变色块,但是在艺术家眼里,作品包含了自己生活过的城市的记忆。
△洛杉矶的日落,与Alex作品的色调基本一致
Alex是好莱坞造星与流行文化的经历者,他把自己对流行文化、明星崇拜、快餐消费等的理解,用挂着霓虹色料的画板进行演绎。作品在几个重复的形状上不断变幻色彩,用光鲜的外形、艳丽的色彩等来讽刺明星效应、娱乐过度消费、快餐式文化等当代社会现象。
上面这些介绍,单纯凭肉眼看,真的完全get不到艺术家的点。
为什么说欣赏抽象艺术需要结合作品背后的时代和艺术家本人的经历?因为目光所及的只是作品的一部分,想要跟艺术家共情,需要花时间去了解每一个作品的创作手法和背后的故事。
鉴赏法则二:尝试理解创作方式
再来看韩国艺术家河钟贤的三件作品《联合17-303》《联合17-401》《接合17-301》

三个纯色的巨型画布,画布上均匀分布着底色,底色上是颜料刷过的痕迹,线条凹凸感非常明显。
△河钟贤系列作品
这三幅作品的创作故事是这样:艺术家将颜料厚厚地涂在麻布背面,然后一直按压,直至颜料渗透至另一面。这种花大力气和时间创作方法叫背压法。
仔细看,颜料在麻布上被挤压出来的痕迹同时保留了颜色和麻布二者的质感。
△河钟贤系列作品表面的肌理
河钟贤利用纯色,通过画作深入的冥想,省思身体与心灵之间的关系。如果你面对作品毫无感觉,了解一下“背压法”也蛮有趣。
△Turi Simeti作品 喜欢用纯色表达抽象艺术的还有Turi Simeti。
Simeti的每张画布都只呈现一种颜色,画布下面分布着椭圆形的木桩,与最外一层紧绷的麻布相互作用,呈现出像浮雕一样的效果。不同的作品中椭圆形数量和位置会有变化。
△Turi Simeti作品 △Turi Simeti作品
Simeti强调艺术品的物理存在,探索在单色和触觉画布表面上与光线创建的形状。△Turi
Simeti作品细节:木桩与绷紧的画布之间产生的“浮雕” Mark
Hagen的作品跟河钟贤的作品创作手法相似,都是按压颜料使其透过麻布,但是Mark在麻布下面垫了玻璃板和几何形状切割的瓷砖,待颜料干透后将画布取出,得到一副布满几何图案的作品。
△《未命名》,Mark Hagen作品 △Mark Hagen作品细节:在玻璃上按压过的痕迹
△Mark Hagen作品 鉴赏法则三:看不懂无需楞懂
美术馆二楼这一组作品非常引人注目,从远处就能看到三个巨大无比的眼影/腮红盘挂在墙上。这是Sylvie
Fleury的彩妆系列作品。通过这些巨大的彩妆盘,艺术家对化妆品及时尚消费背后的欲望与权利结构提出了质疑。△《玫珂菲腮红盘》,Sylvie
Fleury△《轻柔透纱胭脂》,Sylvie Fleury
这三幅作品是这次群展中唯三不那么“抽象”的,借鉴了波普艺术的表现形式,并把眼影和腮红的质地做得跟实物几乎一致。
△眼影盘中闪闪发光的金粉,非常逼真
看不懂怎么办?只要你觉得这件作品看着“舒服”,让你觉得有美感,即使看不懂也没关系。
鉴赏法则四:沉浸在作品中 这次的展让人最印象深刻的作品叫《樱桃》。
首先你要先通过一个暗室,工作人员会引导你在一片漆黑的走廊里行走,直到你几次碰壁后踉跄着来到一间同样漆黑但是闪着红色投影的房间你眼前有一个暗红色的方块。视线前方参观者的剪影会与暗红色方块结合成不同的画面。
这个作品由大热的艺术家James
Turrell创作,他利用光线和空间向观众展现人类感知的极限和视觉奇迹。
△《樱桃》,James Turrell
如果你持续在这间暗室里面盯着这个红色的屏幕,时间久一点会发现屏幕出现了幻影。别担心,这是视神经在光线和颜色面前制造的假象。
“光”是James重要的创作素材。本次群展他的另外一组作品也借助了投影,是作于1990年的蚀刻凹版画“第一束光”系列。在一个光线较弱的空间里,艺术家利用角投影在纸上投射出不同的几何体形状。△第一光束系列,James
Turrell
你觉得看到的是画?还是一束光?这种沉浸在作品中的思索,比理解作品本身更有意义。
跟作品互动起来,感受艺术家的创作意图
松美术馆的“清淡”,让这些色彩斑斓的艺术作品皆“在此隐形”。英文主题Abstraction(s)单词后缀的“s”别有深意:策展人Nicolas
Trembley希望借由“群展”与“复数”表达抽象的多种表达方式和含义。
一起来欣赏其他几个艺术家的作品吧~△Gnther F?rg绘画作品△Gnther
Frg雕塑及绘画作品。在福尔格晚期的作品中,网格变得愈加随意,甚至让位于近似涂鸦的色块堆砌△《无题》,Gnther
Frg △《无题》,Anselm
Reyle。亚克力罩子里面的装置看上去像软趴趴的锡箔纸,但是实物的材质非常坚硬△《贝詹姆特》,John
M
Armleder。画面的颜色是“泼”上去的,又被称为“倾倒绘画”。他在垂直或水平放置的画布上随意倾倒颜料,然后用各种前卫材料加以混合。艺术家会根据不同城市对作品做地域化调整,比如北京这次他选用了亮闪闪的派对帘子分隔油画△《张力》,John
M
Armleder。这是一个装置艺术作品,灵感来自街头的花店。花瓶里摆放的是鲜花,需要随时更换保证新鲜△《货币战争-新和旧的10元人民币》,徐渠。作品将人民币上的防伪纹放大,并进行了艺术创作。徐渠将全球各地纸币上的图案细节转换为多彩的抽象构图,蕴含了文化和金融的双重意义△《无题》,Vivian
Springford。Vivian
Springford,本次群展艺术家中年龄最大的一位,作品受中国书法、道家和儒家思想的影响△《无题》
,Jean-Baptiste
Bernadet△《水滴》,金昌烈。当日偶遇尚雯婕在松美术馆做艺术分享沙龙,她背后这幅画即是作品《水滴》
△《水滴》,金昌烈。画布上的水滴是画上去的。画上去的。画上去的。
本次探展特别感谢艺术头条和OPPO校园的邀请。

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2019年7月19日,在盛夏的骄阳中,松美术馆新展
Abstraction(s)|隐形于色–抽象艺术群展正式拉开帷幕!

松美术馆新展 Abstraction(s)|隐形于色–抽象艺术群展
开幕(本文图片由松美术馆提供)

作为松美术馆的又一重要群展,本次展览汇集了不同年代的13位艺术家的精选作品,参展艺术家们各自代表了这八十年间以十年为单位的不同阶段,展览从主观视角勾勒出近一个世纪以来抽象绘画演变中的五种表现形式。

展厅概况

01 单色画

单色画,又称独色画,是二十世纪以来先锋派艺术的重要元素,通过单一色彩进行绘画创作,艺术家旨在探索同一色彩不同色值在画布上的演变,以及纹理与质感的微妙变化。由于它简约洗炼的构图,单色画在当代艺术中的魅力经久不衰。

参展艺术家:

图里斯梅蒂-1929

河钟贤-1935

马克哈根 -1972

亚历克斯伊斯雷尔
-1982————————————————————-

图里斯梅蒂《无题》布面丙烯226.1 223.8 3.8 cm维维安斯普林福德管理协会The
Vivian Springford Administration 摄影 / Photo: Matt
Kroening致谢维维安斯普林福德管理协会

图里斯梅蒂的绘画创作极具雕塑性他在画布下自由地分布自制椭圆形木具,他的画面在光影与黄色、红色、黑色等单色平面的交织中形成类似浮雕的效果。通过对椭圆形图案的重复使用,他尝试建立一种非常规的书写系统,使画布表面不再局限于物质性原则,而只可容纳静默。

河钟贤《联合 17-303》亚麻布、油彩Oil on hemp cloth291 218 cmConjunction
17-303,2017 Ha Chong-Hyun 摄影 / Photo: Kim
Sang-Tae致谢艺术家和阿尔敏莱希

20世纪70年代初期,河钟贤凭借 联 合
系列作品声名鹊起。这些早期试验帮助他创立了自己的标志性风格,即将颜料厚涂于麻布背面,然后向正面按压使其穿透布面纹理。作为韩国单色画运动的重要成员,他对材料和绘画工艺的创新在东西方前卫艺术与传统之间架起了一座桥梁。
他的创作需要耗费极大的体力和时间,近期他又通过增加物质性和色彩体积感的新方法,进一步延伸了他从三维转化至二维的实践。

马克哈根《未命名》粗麻布、丙烯、塑形泥162.6 162.6 5.1 cmTo Be Titled
(Phthalo Green),2017 Mark Hagen 摄影 / Photo: Hugard Vanovershelde
Photography致谢艺术家和阿尔敏莱希

类似按压颜料使其穿透麻布的方法同样可见于马克哈根的创作中:他按压颜料,使其穿透长粗麻布,晕染到下面垫有玻璃板的褶皱型塑料和按几何形状切割的瓷砖等材料上。等到颜料干燥后,再将布料取出,其印满痕迹的背面反而作为作品的正面向公众展示。

亚历克斯伊斯雷尔《无题》丙烯、灰泥,木头、铝框架213 213 7 cmUntitled
(Flat),2012 Alex Israel 摄影 / Photo: Rebecca
Fanuele致谢艺术家和阿尔敏莱希

在参展精选作品的作者中,亚历克斯伊斯雷尔是最年轻的一位艺术家,他的创作象征着抽象艺术在当下的延续。此次展出的平面系列是伊斯雷尔的代表作品,他将画布剪裁,模糊了绘画与雕塑的界限。画面灵感来自洛杉矶建筑和城市景观,让人联想到抽象的落日。

02 光线与空间运动

光线与空间运动这种艺术兴起于1960年代的美国,其最早期实践者是罗伯特欧文以及詹姆斯特瑞尔。正如其名,光线与空间运动是一种以光线为媒介创作的艺术形式。此类艺术可以被表现为发光的雕塑,抑或是用光影效果来塑造出的雕塑。这些雕塑可以是暂时性的,也可以是永久性的,既可以在室内空间中展出,也可以在户外展出。光线与空间运动作品中,光与建筑的互动通常是作品十分核心的部分。

参展艺术家:

詹姆斯特瑞尔-1943————————————————————-

詹姆斯特瑞尔《樱桃》空间投影装置Cherry,1988 James Turrell 摄影 / Photo:
Florian Holzherr致谢艺术家和阿尔敏莱希

光线是抽象艺术中常用的材料,并在本次展览中扮演重要的角色。由美国艺术家詹姆斯特瑞尔的数组作品构成的特别展示完美地诠释了这一元素。逾半个世纪以来,特瑞尔在创作时始终直接利用光线和空间向观众展现人类感知的极限和奇迹。特瑞尔是一名狂热的飞行员,天空是他的画室、材料和画布,他的飞行时间已达一万两千小时。他曾学习感知心理学,并受童年时代对光线的爱好所影响。他说,我的作品没有对象,没有图像,也没有焦点。什么都没有,那么,观者看到的是什么?是自己在观看的行为。对我来说,关键在于创造一种沉默的思想体验。

03 抽象和具象之间

澳门新葡亰手机版,抽象绘画是在具象艺术的母体中孕育而生的,并通过具象运动分裂成新的派别。它们源自一脉相承的艺术传统。一般被视为具象艺术中的一些分支,比如装饰艺术,因其对图案几何化的利用,实际上可以也可以被视为是徘徊在具象与抽象之间;与此同时,许多对具象艺术有着深远影响的社会变化,如消费型社会的运作,货币的流通,也同样为抽象艺术提供了灵感。抽象与具象,这两者本身就是互相依存、缠结、渗透的绘画元素。

参展艺术家:

金昌烈-1929

约翰M阿姆利德-1948

西尔维夫拉里-1961

安瑟姆雷尔-1970

徐渠-1978————————————————————-

金昌烈《水滴》布面油画181.6 229.9 3.2 cm Kim Tschang-Yeul 摄影 / Photo:
Matt Kroening致谢艺术家和阿尔敏莱希

金昌烈是目前在世的韩国最伟大画家之一。1969
年,金昌烈定居巴黎,并用了四十余年时间钻研一个独特的主题:水滴。水滴是其独特和标志性作品的起点,这些作品将抒情抽象、波普艺术和中国书法融为一体。其作品简约纯净,巧妙地融合了道家智慧、现代讽刺概念和韩国战争的悲剧题材。金昌烈既有禅修者的克制,又有早期绘画大师的笔触,在东西方文化的影响力中找到了绝佳的平衡点,并对其曾经历的诸多艺术运动进行了深刻反思。

约翰M阿姆利德《贝詹姆特》布面综合材料225 150 cmBezamt,2018 John M
Armleder 摄影 / Photo: Annick Wetter致谢艺术家和阿尔敏莱希

自二十世纪 60
年代末以来,约翰M阿姆利德投身于激浪派运动,开始创作各类作品,包括行为、雕塑、素描以及油画。1979
年,阿姆利德凭借其家具雕塑系列作品蜚声国际,该系列作品融合了设计和抽象油画的标志性特点,探索装饰与艺术之间的关系。此外,备受青睐的倾倒绘画和水坑绘画系列也令他广受赞誉:他在垂直或水平放置的画布上随意倾倒颜料,然后用各种前卫材料加以混合。

西尔维夫拉里《眼影腮红盘》布面和木面丙烯152.5 307.8 10.8 cmSoleil Eye
and Cheek Palette (Winter 2018),2019 Sylvie Fleury 摄影 / Photo: Dai
Ruoying致谢艺术家和阿尔敏莱希

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